Музыкальное искусство является фундаментальной основой духовного богатства таджиков. С древнейших времен происходило формирование его направлений, жанров, видов, форм на основе творческой деятельности предков таджикского народа – древних восточных иранцев – бактрийцев, согдийцев, хорезмийцев, парфян, а также других народов, населявших территории Средней Азии, Афганистана, Пакистана, Ирана, Восточного Туркестана. Важную роль в становлении культурных традиций таджиков сыграло также и художественное творчество иранских народов степного региона (скифов, савромато-сармат, сако-массагетов), населявших территории степных, лесостепных и горных ландшафтов Евразии от северных границ Китая до Венгрии. В эпоху древности и раннего средневековья получают развитие и закрепление основные сюжетные и тематические образы, базирующиеся на развитой мифологической системе; зарождаются и приобретают характерные признаки героический эпос, а также различные принципы кодификации религиозных, эпических представлений в системе мировосприятия предков таджикского народа.
Золотая пластинка. Зороастрийский жрец. Бактрия. Амударьинский клад. V-III вв. до н.э. A golden plate. A Zoroastrian priest. Baktria. The Amudaria treasure. V-III cc. B.C. Алтарь со скульптурой Силена – Марсия, играющего на двуствольной флейте. Бактрия. Тахти Сангин. II в. до н.э. The altar with a sculpture of Sylena-Marsia playing a double-barrelled flute. Baktria. Takhti-Sangin. II c. B.C. Эрот, играющий на лире. Фигурная пластинка. Медь, позолота. Тахти Сангин. 1 в. до н.э. Eros playing a lyre.An ornamented plate. Copper, gilding. Takhti Sangin. I c. B.C. Ритуальная пляска. Наскальное изображение. Саймалы-Таш. II-I тысячелетие до н.э. Ritual dancing. Rock painting. Saimaly-Tash. II-I thousand years B.C.
Важнейшие параметры исторического становления и развития музыки таджиков определялись культово-ритуальной практикой (жреческие традиции) и светской городской жизнью, ее важнейшими сторонами: дворцово-церемониальной, военной, рыцарской и деятельностью гильдии музыкантов в структуре ремесленных корпораций. Зарождение музыкального профессионального искусства было связано с художественной жизнью города и в своих истоках восходит к концу ІІ- началу І тысячелетия до н.э. Развитие различных ремесел способствовало образованию специально предназначенных и профессионально обученных людей, обслуживающих народные празднества, обрядово-ритуальную и дворцово-церемониальную практику.
Первые ростки профессиональной музыкальной деятельности возникли в среде жреческого сословия. Жречество использовало музыку для оформления своей идеологии. Зороастризм являлся базовой религией предков таджикского народа. Его каноны вобрали древние культово-ритуальные нормы, а также традиции в области музыкального оформления культовой практики. Авеста – священная книга зороастрийцев, сложившаяся на рубеже ІІ-І тысячелетия до нашей эры, является не только собранием гимнов и обращений к богам, но она и вобрала в себя разнообразные знания, связанные с социальным устройством общества. Истоками гимнов и молитв Авесты выступают лирические, героические, эпические песни и некоторые формы драматических действий. Древнейшая часть Авесты – Гаты – непосредственно связана с творчеством Заратуштры.
Инструментальный ансамбль. Фриз из Айртама. II в. Instrumental ensemble. Frieze from Airtam. II c.

Popularity: 2%

Теги:искусство, культура, музыка, Музыкальное искусство Таджиков, страны, традиции

 

История и традиция
Духовная музыка существует во всех культурах и может проходить через века. У инков были духовные песнопения которые они пели в своих храмах. Тибетские монахи всё ещё поют свои религиозные гимны с использованием специальных голосовых техник, которые придают им магические обертона. И западный христианский мир имеет свои грегорианские распевы которые пользуются огромной популярностью в настоящее время.
Обрядовые и духовные песнопения в грузинской музыке это пример отдельной, особой формы западнохристианской музыки: полифонического хорового наследия Республики Грузия. Духовная музыка обращается в самую внутреннюю часть личности, это путь к соединению с наиболее глубоким источником существования. Повторяющиеся распевы и ритмы в духовной музыке создают притяжение, уводящее слушателя прочь от незначительных беспокойств и груза проблем. Кроме того, духовная музыка создаёт животворящий орнамент, объединяющий тело и душу. Грузия имеет великую и высокопрофессиональную традицию многоголосного хорового пения. Фольклорные и церковные песни являются нераздельной частью сокровищницы грузинской культуры и Грузия по достоинству горлится этим.
I-й век, Христианство уже стало известным в Грузии, и в 337 году Царь Мириан провозгласил его государственной религией. Итак Грузия, являясь древнейшим Православным государством, обладает великой традицией духовной музыки. Эта традиция сохранилась как жизненная часть национальной идентичности.
Грузинская полифоническая традиция вероятнее всего старее чем сама Западная Европа, и она характеризуется особенными вокальными приёмами и использованием очень близко расположенных к друг-другу тонов. Музыка и песни передавались от поколения к поколению непосредственно через живую певческую традицию. Преимущественно пением в Грузии занимаются мужчины. Типичная грузинская песня это трёхголосная мужская «а капелла».
Полифоническое пение занимает самое естественное место в социальной жизни Грузии, как на праздниках, так и в трудах.
Многие грузинские музыкальные коллективы также хранят традицию в концертной форме. Существут два типа песен: восточногрузинские и западногрузинские. Песни Восточной Грузии часто имеют два солирующих верхних голоса и нижнюю часть с гибкими протяжными тонами. Песни же Западной Грузии характеризуются отчётливым многоголосием, которое часто имеет комплексную мелодическую структуру, что игнорирует гармонический консонанс.
Грузинские церковные песнопения (хоралы), что достигают самых глубин своего рождения в X-XI веке, являются также выдающимся памятником грузинской музыки. Академик Иван Джавахишвили убеждён, что уже в IX-м веке если не раньше, в Грузии уже существовала теория церковного пения которая называлась «наука вокального обучения». В православных храмах и монастырях Грузии, и в не меньшей степени в грузинских культурных центрах заграницей – на Синае, Атосе и в Палестине, искусству церковного пения придавалось огромное значение. В то же самое время появились книги по гимнографии – в качестве сборников восьмигласных песнопений (модели распевов). В сборниках церковных распевов X и XI веков упоминаются такие авторы, как Иоанн Минчхи, Микаэль Модрекили, Иоанн Мтбевари, Евтим и Георгий Мтацминдели, Ефрем Мцире и другие, которые не только переводили с греческого языка тексты песнопений, но часто сами сочиняли новые творения.

Popularity: 1%

Теги:Грузинская духовная и обрядовая музыка, искусство, культура, музыка, страны, традиции

Лист с песнопениями Микаэля Модрекили

Распевы записанные невменной (крюковой) нотацией в первой половине X-го века достигли, также, и наших времён. Графически грузинские невмы отличались от греческих и латинских, система нотации последних вплоть до настоящего дня так и не расшифрована. Она должна изучаться вкупе с ранней византийской системой использованной в греческих распевах, в то время как грузинское церковное пение разработано на основе грузинских же текстов. Позже всё это вошло в традицию фольклорного многоголосного пения.
В начале XX-го века церковные песнопения были изучены и исполнены специалистами, которые приняли это бесценное наследство от предыдущих поколений. Сегодня грузинские православные семинарии и академии, среди которых есть несколько фольклорных ансамблей, продолжают традицию грузинских церковных песнопений и доносят до нас красоту и гармонию грузинской полифонии.
Существует также несколько веб-сайтов в интернете посвященных грузинской духовной и обрядовой музыке, на некоторых из которых выложены звуковые файлы в midi- и real audio-форматах.

Popularity: 1%

Теги:искусство, культура, музыка, Песнопеня Микаэля Модрекили (Грузия), страны, традиции

 

Таиланд поддерживает культурные связи с двумя великими азиатскими центрами цивилизации: Индией и Китаем. Несмотря на то, что Таиланд никогда не был колонизирован западными державами, поп-музыка и другие направления европейской и американской музыки стали здесь чрезвычайно влиятельными.

Двумя наиболее популярными направлениями традиционной тайской музыки являются лак-тунг и мор-лэм; последнее направление находится в особом близком родстве с лаосской музыкой.

Помимо народа таи, малые народности лаосцев, акха, миен, лису, карен и лаху придерживаются традиционных музыкальных форм. Тайская музыка была частью устной традиции, и для нее не было разработано традиционной системы записи. “Как единая, уникальная система таиландская музыка существует, вероятно, не более 600 лет”.

Классический или Бангкокский период, начавшийся в 1782, можно считать “кульминацией развития музыки, которая началась, вероятно, насколько это можно выяснить из упоминаний, в 14 и 15 вв. с расцветом столицы Аютая” (там же) в 1350.

Музыка процветала в течение нескольких следующих столетий, несмотря на периодические притеснения со стороны таких правителей, как Рама I, и пожара в Аютае 1767 г., в котором погибли собрания произведений искусства и библиотеки. Результатом этого пожара стала потеря большей части информации, необходимой для реконструкции истории музыки таи до Бангкокского периода.

Popularity: 3%

Теги:искусство, культура, музыка, страны, традиции, Традиционная музыка Тайланда

 

Танцевально-музыкальная культура Вьетнама насчитывает несколько столетий. На старинных бронзовых барабанах лаквьетов изображены люди, танцующие под аккомпанемент бамбукового кхена. В 2006 году во Вьетнаме археологами был найден музыкальный инструмент, которым пользовались еще в каменном веке — «дан да». Инструмент состоит из восьми аккуратно обработанных каменных пластин.
Народное музыкальное искусство очень самобытно. Музыка богата вокальными жанрами. Основными музыкальными инструментами являются дискообразная четырех-пятиструнная гитара, трехструнная гитара дан там, двухструнная скрипка дан ни, бамбуковая флейта ом дить.
Европейская музыка появилась в начале 20-го века, а уже в конце 20-го века и начале 21-го молодые вьетнамские пианисты и скрипачи неоднократно становились лауреатами самых престижных международных музыкальных конкурсов.
Одним из любобытных моментов явялется популярность во Вьетнаме российской эстрадной музыки. Популярна Пугачева, Киркоров и другие. Российских туристов шокирует любовь вьетнамских радиостанций к песне Гены Крокодила из мультфильма в исполнении вьетнамской поп-звезды Tai Em Ma. Эта песня даже становилась хитом в альбоме «Ung Hoang Phuc» с женским бэк-вокалом и вьетнамской аранжировкой. Еще один любопытный факт: самым исполняемым сибирским композитором является Нгуен Лан Туат, проживающий в России уже 30 лет (в настоящее время — в Новосибирске).

Туонг — это вьетнамская классическая опера. Туонг считался «высоким» театральным жанром. В центре спектакля туонга — героический персонаж, совершающий подвиг во имя родины и императора. Представления туонга основаны на принципах гротеска, условности и символики, которые прослеживаются в позах, жестах, гриме, сценическом движении актеров. На сцене нет никаких декораций, занавеса, не определены время и место действия — актер должен все это обозначить своей игрой. Существовали придворные труппы туонга, а также труппы при домах феодалов. В Среднем Вьетнаме в середине 19-го века сложился комедийный туонг.
Опера туонг впитала все лучшее из других жанров, развив оперное искусство, хореографию и пантомиму до высокой степени мастерства. Туонг воспринимается европейцами как знакомое и близкое им искусство.

Popularity: 2%

Теги:искусство, культура, музыка, страны, традиции, Традиционная музыка Вьетнама

 

Каждое из национальных меньшинств Вьетнама имеет свои собственные музыкальные и танцевальные традиции, которые часто включают красочные костюмы и инструменты типа флейт из тростника, литофоны (похожие на ксилофоны), бамбуковые свистки, гонги и струнные инструменты, сделанные от тыквы. В Хошимине находится консерватория, где обучают как традиционной вьетнамской, так и западной классической музыке.

Удивительно, но большинство вьетнамской поп-музыки создается в Калифорнии, где проживает множество вьетнамцев-эмигрантов. Одной из причин, почему в самом Вьетнаме появляется так мало местных певцов, является то, что все музыкальные ленты сразу же пиратски тиражируются и, таким образом, поющие звезды лишаются средств, необходимых для жизни.

Popularity: 2%

Теги:искусство, культура, музыка, Музыкальная культура Вьетнама, страны, традиции

 

Сямисэн – трехструнная лютня типа банджо. Это японская модификация китайской лютни сан-сиен (три струны), которая появилась в Китае при династии Юань (XIII в.) под влиянием сходного инструмента из Западной Азии под названием кубыз или сетар. Китайская сан-сиен была вначале завезена на острова Рюкю (юго-западнее Японии), откуда потом попала в Японию в 1562 г. Сан-сиен или сан-син из Рюкю покрыта змеиной кожей, в то время как в изготовлении японского сямисэна используется кошачья или собачья кожа.
В эволюции традиции игры на сямисэне сформировалось три стиля: ута-моно (песенный стиль), катари-моно (сказовый стиль) и минъё (народная песня). Миньё выделяется здесь в отдельную группу, хотя некоторые народные песни относятся к типу эпического сказа; к тому же в целом народную песню, пусть даже и в сопровождении того же сямисэна, нельзя помещать в ту же культурную нишу, что и музыку для сямисэна высокой, классической традиции. Наиболее старинным стилем музыки для сямисэна классической традиции являлся сямисэн-кумиута. Как и в случае с музыкой для кото, кото-кумиута, каждая пьеса здесь представляет собой набор из нескольких коротких песен, сопровождающихся теперь уже сямисэном. Обратим внимание на то, что певец, как правило, сам аккомпанирует себе на инструменте. Данный стиль появился в ареале Осака – Киото, где был распространен под названием камигата, представляя собой более раннюю региональную разновидность музыки для сямисэна. Второй крупной региональной разновидностью является традиция сямисэна района Эдо (современный Токио). Сямисэн-кумиута сменилась стилем дзиута, представляющим локальные песни ареала Камигата (Осака-Киото).
Саката Хёсиро – исполнитель на сямисэне из театра кабуки в Осаке – приехал в Эдо для участия в представлении кабуки. Его выступление, во время которого он играл в стиле раннего дзиута, положило начало новому стилю театра кабуки г. Эдо, получившему название нагаута, что означало «длинная песня». Со временем нагаута превратится в один из основных жанров музыки театра кабуки, исполняемых при сопровождении танцевальных программ. Этот жанр представлен протяженными инструментальными интерлюдиями, которые играет ансамбль хаяси (сопровождал спектакли театра Но, состоял из флейты и трех типов барабанов). В исполнении нагаута задействован большой коллектив музыкантов: певцы, исполнители на сямисэне, музыканты ансамбля хаяси (всего порой до тридцати человек), которые рассажены прямо перед задником сцены на специальной платформе, покрытой красной материей (на ее фоне особенно эффектно выделяются фигуры музыкантов, одетые в характерные одежды). В некоторых спектаклях участвует и другая группа музыкантов (несколько певцов и исполнителей на сямисэне, один флейтист и несколько барабанщиков), которые располагаются слева за сценой и называются гэдза-баяси или кагэ-баяси. Игра этой группы производит неповторимый сценический эффект, особенно когда изображается шум ветра, дождя, гром и т.п.
Второй важнейший жанр в искусстве сямисэна – катари-моно, который является наиболее характерным для японской традиционной музыки и представлен специфическим типом пения. «Катари-моно», «пение-сказ». Его также называют дзёрури по имени героини-девушки из популярного сказа. В начале периода Эдо в Камигата жил первый исполнитель сказа в сопровождении сямисэна, имя которого неизвестно. У него появились последователи, среди которых был Такэмото Гидаю (1651-1714), сформировавший новый стиль дзёрури – для кукольного театра (позднее называемого бунраку), работавший в содружестве с Тикамацу Моадзаэмоном (1653-1724) – замечательным драматургом, писавшим для театра кабуки и кукольного театра.
В конце периода Эдо среди низов населения г. Эдо приобрел популярность еще один жанр музыки для сямисэна, связанный с пением. Ха-ута – «короткая песня» – во многом возродила традиции популярных песен раннего периода Эдо. Бывшие самураи предложили более изысканный и элегантный тип песен (использующий те же тексты) – утадзава. Вскоре, как реакция на угнетенное настроение утадзавы, появляется ко-ута – короткая по протяженности песня с более облегченной экспрессией. Несмотря на тенденцию явного спада в области традиционного творчества в Японии, ко-ута была возрождена после Второй Мировой войны, особенно в среде богатых предпринимателей.
Дзокёку (популярная мелодия) – еще один жанр пения в сопровождении сямисэна, использующий множество разновидностей популярных песен. И, наконец, нельзя не отметить широко распространенный в свое время жанр нанива-буси, сложившийся в результате комбинации стиля дзёрури и гидаю. Термин произошел от названия места Нанива (соврем. Осака), где этот тип музыки и был распространен. И сам музыкальный стиль, и словесные тексты нанива-буси пользовались особым успехом у простого люда. Интересно, что нанива-буси потеряли свою популярность только после Второй мировой войны, их вытеснили американские популярные песни.
Сямисэн – это инструмент, состоящий из 4-х пластин китайского дуба, через которые продет гриф (88 см длиной) из сандалового дерева. С двух сторон корпус обтянут кожей – как правило кошачьей, хотя в сямисэне гидаю используется собачья кожа. Небольшой кусок кожи приклеивается на переднюю мембрану, чтобы защитить ее от ударов плектра. Три струны различной толщины натянуты между колками и нижним концом грифа, который выступает в центре нижней части корпуса. Реальная длина струн определяется верхним мостиком, укрепленным в конце колковой коробочки и нижним мостком, сделанным из слоновой кости, рога водяного буйвола или дерева, который продет между струнами и верхней мембраной. Нижний мостик может быть разным по размеру и весу в зависимости от жанра музыки, что дает тонкие разнообразные оттенки тембра. По струнам ударяют или защипывают их с помощью плектра, вырезаемого в форме листа дерева гинко. Форма, размер и вес плектра также варьируются в зависимости от жанра музыки, где тембр звучания, таким образом, является одним из характерных признаков.
Следует отметить одну важную особенность в звучании сямисэна. Всякий раз, когда защипывается нижняя струна, в дополнение к тону слышатся призвуки вместе с легким шумом. Эти призвуки также проявляются, когда другие струны резонируют с нижней струной, особенно если интервал тона на используемой струне и тона нижней струны составляют октаву, две октавы, три октавы, квинту, кварту и т.д., иными словами – консонантные интервалы. Призвуки называются «савари», что означает «прикасаться». Нижняя струна, которая не лежит на верхнем мостике, требует легкого прикосновения в точке, называемой «горкой» и дает обертоны, высота которых определяется соотношением двух частей струны, одной – между «горкой» и верхней частью грифа, и другой – между «горкой» и нижним мостиком на мембране. Умение пользоваться звучанием «савари» является признаком высокого мастерства исполнителя на сямисэне. Данный акустический эффект также строго контролируется мастерами по изготовлению инструмента.
На сямисэне играют, применяя удар по струнам и их защипывание с помощью плектра, который держат в правой руке; в нужный момент звучание струн останавливается тремя пальцами левой руки на безладовом грифе. Большой палец и мизинец не используются. При исполнении композиции в стиле ко-ута или во время тренировки вместо плектра используется указательный палец. Наиболее характерным приемом игры на сямисэне является одновременный удар плектра (или пальца) по мембране и по струне. Существует масса других важных факторов, определяющих специфику звучания, например, толщина мембраны, струн или грифа, место, где плектр ударяет по струнам и т.п.
Сямисэн – это инструмент, который в основном аккомпанирует пению. Как правило, в музыке для сямисэна мелодическая линия голоса практически совпадает с той, что играется на инструменте. Только на сямисэне мелодия более проявлена в ритмическом отношении, чему способствуют четкие удары плектра по струнам. При этом используется прием некоторого опережения голосом инструментальной партии (примерно на половину доли), который, с одной стороны, подчеркивает контраст между звучанием голоса и сямисэна, а с другой – помогает расслышать и понять словесный текст.

Popularity: 9%

Теги:искусство, культура, музыка, страны, традиции, Традиционная музыка Японии

 

Еще в I веке до н. э. в Китае было известно более 80 видов национальных музыкальных инструментов. В процессе длительного развития постепенно сформировалось пять основных видов традиционной музыки: песни, танцевальная музыка, музыка песенных сказов, музыка местных опер и инструментальная музыка.
В истории Китая музыкальная культура неоднократно переживала периоды расцвета. Лучшими образцами древней классической музыки стали пьеса для циня (семиструнный щипковый инструмент) «Гуанлинсань», «Сюита из 18 частей для флейты хуцзя», пьеса для пипа (четырехструнная лютня) «Круговая засада», пьеса для духовых и струнных инструментов «Лунный свет и цветы на весенней реке» и др.

После движения «4 мая» в 1919 г. в китайскую музыку стали внедряться выразительные приемы европейской музыки. В 30 — 40 гг. многочисленные китайские музыканты с огромным энтузиазмом окунулись в гущу жизни и создали множество любимых народом произведений, отличающихся новизной стиля и глубиной содержания. Сочиненный в те годы композитором Не Эром «Марш добровольцев» на слова Тянь Ханя ныне является государственным гимном Китайской Народной Республики. Появление оперы «Седая девушка» открыло новую эпоху в творчестве и развитии китайской оперы.

Развитие исполнительского искусства было тесно связано с повсеместным созданием профессиональных музыкальных коллективов и широким развертыванием концертной деятельности. После образования КНР в центре и на местах были организованы ансамбли песни и танца, оперные труппы, симфонические оркестры и оркестры народных инструментов. Вместе с тем появлялось много известных композиторов, дирижеров оркестра, вокалистов и исполнителей.
Китайские музыканты принимают все более активное участие в различных международных музыкальных конкурсах, многие из них завоевывают первые места. Китайские исполнители и музыкальные коллективы выступают во многих странах и районах мира. В свою очередь, перед китайской публикой выступали многие зарубежные мастера и коллективы с мировым именем.
В целях обогащения культурной жизни народных масс во многих городах страны регулярно проводятся крупные музыкальные фестивали, такие, как «Шанхайская весна», «Фестиваль музыки и цветов г. Гуанчжоу», «Пекинский фестиваль хоровой музыки», «Неделя музыки Северо-Востока Китая», «Неделя музыки Северного Китая», «Неделя музыки Северо-Запада Китая», «Музыкальный фестиваль города весны» (г. Куньмин), «Харбинское лето», «Осень города источников» (г. Цзинань) и т. п.
Видное место в музыкальной жизни народа занимает также художественная самодеятельность. Ежегодно организуются смотры «Майские цветы» в Пекине, «Октябрьское пение» в Шанхае, «Концерты учебных заведений» в провинции Фуцзянь, «Фестиваль хоровой музыки учащейся молодежи» в Гуанчжоу и др.

Popularity: 3%

Теги:искусство, культура, музыка, Музыка Китая, страны, традиции

На раннем этапе церковная музыка Древней Руси представляла собой ответвление византийской музыкальной традиции. С присоединением Украины в русской церковной музыке появляются так называемые «киевский» и «болгарский» распевы. После реформы патриарха Никона, в связи с исправлением певческих книг по греческим рукописям, появляется «греческий» распев.

На рубеже XIX века, русская церковная музыка была отмечена сильным итальянским влиянием, так как в Италии учились ведущие композиторы того времени, работавшие в области церковной музыки – М. Березовский и Д. Бортнянский. Новый подъём русской церковной музыки, произошедший на рубеже XX века, был связан с деятельностью московской композиторской школы, к которой принадлежали А. Кастальский, А. Гречанинов и П.Чесноков.

П. Чесноков (1877-1944) – автор свыше 500 хоровых сочинений (духовных и светских). Был регентом церковных хоров и преподавателем хорового дирижирования в Московском синодальном училище и в Московской консерватории. Автор книги «Хор и управление им».

А. Архангельский (1846-1924) известен тем, что ввёл в церковное пение женские голоса (вместо голосов мальчиков). Организовал смешанный хоровой гастролирующий коллектив.

М. Ипполитов-Иванов (1859-1935) – ученик Н. Римского-Корсакова, известный композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель. Живя в Тбилиси, играл важную роль в развитии грузинской музыкальной культуры, позднее был дирижёром Московской частной русской оперы и оперного театра Зимина.

Я. Витолс (1863-1948) – ученик Н. Римского-Корсакова, один из основоположников латышской профессиональной музыки. Крупнейший мастер латышской хоровой песни, видный общественный деятель и педагог (в числе учеников – С. С. Прокофьев), один из основателей Общества латышских композиторов и Латвийской консерватории.

П. Чайковский (1840-1893) – один из самых известных русских композиторов, автор популярных опер, балетов, симфоний, романсов и др. Хотя его духовные сочинения не так известны и многочисленны, они занимают важное место в его наследии. В их числе Литургия Иоанна Златоуста и Всенощное бдение.

Popularity: 1%

Теги:искусство, культура, музыка, Россия, страны, традиции

Сложная историческая судьба Польши отразилась в польской музыкальной культуре. Одна из древнейших славянских музыкальных культур, она сумела сохранить свою самобытность, несмотря на неоднократные завоевания Польши другими народами.

Тем не менее, связь польской музыки с музыкальными культурами сопредельных стран несомненна, особенно в таких городах, как Гданьск, неоднократно переходящих из рук в руки. Гданьским музыковедом и органистом Л. Мельникасом недавно были найдены неизвестные табулатуры XVII века. Одна из них включает 11 органных фантазий, написанных композиторами ранней барочной северонемецкой школы, таких как Н. Хассе, Ф. Тундер, Х. Шайдеманн и Е. Хинтц. Также в табулатуре имеется тысяча многоголосных композиций для голоса и инструментов. Эта музыка была исполнена на знаменитом барочном органе (1677-1680) построенном Иоганном Георгом Вольфом из Гданьска. Также Л. Мельникасом была найдена табулатура из Цистерцианского монастыря (the Cistercenser convent) из Оливы. В этой табулатуре работы, написанные анонимными композиторами, а также Хансом Лео Хасслером, Петрусом де Дрсина (Petrus de Drsuina) и итальянскими мастерами.

Современный польский композитор Юлиуш Лучук, совершенствовал своё музыкальное образование в Париже. Пользуется различными авангардными композиторскими техниками, много пишет для детей и молодежи. В зрелом творчестве Лучука преобладает религиозная тематика, характерный пример – оратория «Святой Франциск Ассизский».

Popularity: 1%

Теги:искусство, культура, музыка, Польша, страны, традиции